10x Meest bezochte musea van de wereld HTML-zicht Notitie

{lang: 'nl'}

Er zijn talloze musea te bezoeken. Van Amsterdam tot Barcelona en Parijs. Maar welke musea moet je dan echt een keer gezien hebben? Ik geef je graag een overzicht van de 10 meest bezochte musea ter wereld. Voor wie tijd heeft: een bezoekje waard!

10. Musée d’Orsay

Dit museum herbergt voornamelijk kunst uit de periode 1848 tot 1914. Kunstenaars als Manet, Monet, Renoir, Gauguin en Cezanne vind je hier uitgebreid. Ook Van Gogh is terug te vinden.

9. Centre Georges Pompidou

Hier vind je moderne kunst terug. Het gebouw wordt afgewerkt met beelden van Niki de Saint-Phalle en Jean Tinguely.

8. National Gallery of Art Washington

Hier vind je werken van Leonardo da Vinci, Rembrandt, Picasso, Warhol en Van Gogh. In de entree hangt een groot werk van Alexander Calder.

7. National Palace Museum Taipei

Dit museum is the place to be voor oude Chinese kunst.

6. Musea van het Vaticaan

De verschillende musea van het Vaticaan trekken ieder jaar vele bezoekers. Museo Pio-Clementino bevat Griekse en Romeinse beelden. Verder zijn er het Etruskisch Museum en het Egyptisch Museum en de Pinakotheek met schilderijen van oa Caravaggio. Hoogtepunt is de Sixtijnse Kapel met de gewelfschildering van Michelangelo.

5. National Gallery Londen

Hier vindt je een verzameling werken uit de middeleeuwen tot 1900. Het museum toont onder meer Van Gogh en da Vinci.

4. Tate Modern te Londen

Tate Modern herbergt werken uit de moderne en hedendaagse kunst. Futurisme, surrealisme en minimal art worden bijeengebracht op een locatie.

3. British Museum

Hier vind je de mooiste collectie voorwerpen ter wereld uit oude en hedendaagse beschavingen waaronder de Steen van Rosetta en andere culturele voorwerpen.

2. Metropolitan Museum of Art

Kunst uit Egyptische, Griekse en Romeinse tijd, werken van Rembrandt, Vermeer, Breughel en Monet, maar ook items als muziekinstrumenten en wapens. Deze uitgebreide collectie is een van de grootsten!

1. Louvre

Misschien niet geheel onverwacht op nummer 1 met maar liefst 9,7 miljoen bezoekers. De bekendste werken hier aanwezig zijn de Mona Lisa en de Venus van Milo.

Natuurlijk zijn er nog vele andere musea de moeite waard. Dit lijstje is slechts een beperkte selectie. Over de hele wereld zijn de prachtigste musea terug te vinden! Kunst moet je beleven!

Afbeeldingsresultaat voor louvre

Kunst van nu

{lang: 'nl'}

Hedendaagse kunst, een topper in pluralisme

Kunst is doorheen de eeuwen een vaste waarde geweest in onze cultuur. Ook wordt het, tot op de dag van vandaag, vaak aangewend als meningsuiting. In een wereld die bol staat van terrorisme en milieu- bewustwording, is nog steeds plaats voor kunst, al moeten we toegeven dat deze mee evolueert. Misschien ook maar goed!

Het grootste kenmerk voor de hedendaagse kunst is het pluralisme. Waar voorheen duidelijke kenmerken konden vastgesteld worden per kunst-tijdperk, is dit niet langer het geval bij de hedendaagse kunst. Met het uitdoven van post- modernisme en de ingang van de hedendaagse kunst, zijn ook de vaste kenmerken en lijnen verdwenen.

Kenmerken

Hedendaagse kunst is niet te kenmerken door figuratief of abstract. Ze komen beiden voor. Waar voorheen kunst vooral werd gekenmerkt door schilderkunst en beeldhouwkunst, moeten we nu toegeven dat deze al lang niet meer de koplopers zijn in de hedendaagse kunst. De 21ste eeuw kenmerkt zich door multimedia-technieken en zo ook kunst. We zien steeds vaker kunstvormen zoals videokunst, fotografie, maar ook digitale kunst en internetkunst. Voor het eerst is er geen hiërarchie meer aanwezig in de wereld van kunst.

Maar dat is niet alles. De 21ste eeuw staat bol van internet, sociale netwerken enzomeer. We zijn in staat om contact te leggen over de hele wereld en dat komt ook kunst en goede. Waar je voorheen onderscheidt maakte tussen bijvoorbeeld Westerse kunst en Oosters kunst, zijn we nu in staat om kunst te verspreiden over de hele wereld.
Dit heeft als gevolg dat kunst de wereld rond reist en zo overal bekendheid vergaart.

De Hedendaagse kunst betekent hiermee een einde aan het indelen van kunst in hokjes en strekkingen.
Het maakt ook niet meer uit of het eindresultaat ‘mooi’ genoemd kan worden. Het gaat niet langer om schoonheid, maar eens te meer om het concept, het verhaal achter de kunst, de ontdekking of mening. De tijd dat kunst vooral esthetisch hoorde te zijn, is lang verleden tijd!

Enkele hedendaagse kunstenaars zijn onder meer Huang Yong Ping en Mona Hatoum.

 

Afbeeldingsresultaat voor Mona Hatoum

Symbolisme, kunst vervuld met symboliek.

{lang: 'nl'}

Van Paul Gauguin en Gustav Klimt naar Auguste Rodin, Het Symbolisme kende een ruime aanhang met verschillende kunstenaars in verschillende kunstvormen die wereldwijd beroemdheid verwierven.

Hoe ontstond het Symbolisme?

Het Symbolisme, een kunststroming uit de tweede helft van de negentiende eeuw, kan gezien worden als een vervolg op de achttiende Eeuwse Romantiek. Beiden vinden hun oorsprong in een tegenbeweging naar de vooruitgang van de maatschappij. Terwijl Europa een vooruitgang doormaakte, kenmerkend voor het midden van de negentiende Eeuw, hadden vele kunstenaars het gevoel dat de authenticiteit verloren dreigde te gaan. Dit kwam tot uiting in een veelal donkere kijk op de wereld en het bestaan. Deze kijk zal kenmerkend worden voor het symbolisme. Zij zullen zich afzetten tegen deze vooruitgang door op zoek te gaan naar de basis en het achterliggende verhaal.

De kenmerken even onder de loep

Symbolisme is meer een vorm van benadering dan een stijl. Spiritualiteit, fantasie, het zintuigelijke ervaren en een hang naar het verleden staan centraal in deze strekking. Symbolisten observeren de realiteit niet, maar gaan net op zoek naar het ‘symbolische verhaal’, de symboliek en, zo mogelijk, een achterliggende boodschap. De realiteit verdwijnt naar de achtergrond. Zowel voor kleuren, vormen als gedachten.

In een later stadium zal het Symbolisme van grote invloed zijn op andere kunststrekkingen zoals het Expressionisme en Surrealisme.
Het Symbolisme zal zich over heel Europa uitstrekken en na Wereldoorlog 1 verdwijnen. Vele oorspronkelijk Surrealistische kunstenaars zoals Kandinski, Picasso en Mondriaan zullen hun weg vinden in nieuwe strekkingen en uiteindelijk uitkomen bij de strekking waarin zij de meeste bekendheid verwierven, namelijk de Abstracte Kunst.

‘Symbolische’ namen

Symbolisme vindt men terug in elke kunststrekking. Gaande van schilderkunst en beeldhouwkunst, naar filosofie en literatuur. Enkele van de meest bekende Symbolisten zijn ongetwijfeld Gustav Klimt, Paul Gauguin en Edvard Munch voor de Beeldende kunst, Charles Baudelaire voor de literatuur, Claude Debussy op het gebied van muziek en tot slot Georges Minne en Auguste Rodin voor wat betreft de beeldhouwkunst.
In Rusland zal zich eveneens een Symbolische strekking uiten op het gebied van decorontwerpen, met als bekendste naam wellicht Alexandre Benois.

 

Afbeeldingsresultaat voor symbolisme schilderij

Piet Mondriaan

{lang: 'nl'}

Pieter Cornelis Mondriaan, geboren te Amersfoort op 7 maart 1872, beroemd en bekend als Piet Mondriaan, was een Nederlandse schilder die revolutionaire artistieke werken maakte in Nederland, Frankrijk, Engeland en de Verenigde Staten. Hij staat bekend als een pionier in de ontwikkeling van de moderne abstracte kunst. Hij was medeoprichter van de Nederlandse beweging voor abstracte kunst, “De Stijl”. In zijn schilderijen speelde hij met de eenvoudigste samensmelting van rechte lijnen, rechte hoeken, primaire kleuren zoals zwart, wit en grijs. Veel werken dat Mondriaan gingen verloren toen hij moest verhuizen naar de Verenigde Staten als gevolg van de dreiging van het groeiende fascisme in Europa.

Zijn kindertijd en eerste stappen in de kunstwereld.

Zijn vader was directeur bij een plaatselijke school en ook een gekwalificeerde tekenleraar die verantwoordelijk was voor het initiëren van zijn zoon in de wereld van de kunst. Piet Mondriaan studeerde aan de Academie voor Beeldende Kunst, in Amsterdam en werd leraar in het basisonderwijs. Ondertussen begon hij ook al te schilderen.

Hoe verliep zijn carrière

Mondriaan was nauw betrokken bij de theosofische beweging in die in 1908 door Helena Petrovna Blavatsky gelanceerd werd. In het volgende jaar trad hij toe tot de Nederlandse tak van deze beweging. Dit alles had een grote invloed op zijn schilderwerk.Een tentoonstelling met kubistische schilderijen in 1911 had een grote impact op zijn verdere werk.Zijn zoektocht naar artistieke vereenvoudiging is duidelijk weer te vinden in de twee versie van zijn beroemde schilderij “Stilleven met gemberpot.
In 1911 vestigde hij zich in Parijs en liet zijn werk beïnvloeden door schilders als Picasso en Georges Braque. Mondriaan gebruikt zijn kunst en schilderijen als zijn ultieme spirituele uitlaatklep en vanaf 1913 begon hij steeds meer zijn artistieke bezigheden samen te voegen met zijn theosofische studies samen tot een nieuwe theorie.

Afbeeldingsresultaat voor piet mondriaan

In 1914 bezocht hij Nederland. Maar door de toenemende spanning als gevolg van de h
anden zijnde Eerste Wereldoorlog werd hij gedwongen om in Nederland te blijven. In deze periode begon hij, samen met Van Doesburg, met de publicatie van het tijdschrift “De Stijl“. Na de oorlog keerde hij terug naar Frankrijk, en het was hier dat hij zijn geliefde abstracte kunst verder ging ontwikkelen. Rond 1920 is zijn stijl verder getransformeerd naar een rijpere vorm met dikke zwarte lijnen, grotere en minder talrijke afgebakende vormen. Mondriaan begint meer gebruik te maken van de ruitvorm tin zijn schilderijen. Het schilderij: “Ruit met twee lijnen … (1926)” is momenteel te zien in het Philadelphia Museum of Art en is de meest minimalistische van zijn aquarellen. Vanwege het groeiende fascisme in Parijs vertrok Mondriaan in 19838 naar Londen en daarna naar Manhattan. Daar produceerde hij verder werken die gebaseerd waren op de ruitvorm zoals: ”Ruit Samenstelling met vier gele lijnen (1933)”, een eenvoudige schilderij waarin Mondriaan experimenteerde met dikke, gekleurde lijnen in plaats van zwarte. Het vervangen van de zwarte lijnen door de gekleurde was de laatste evolutie in zijn werk. Mondriaan evolueerde in zijn kunstenaarschap door de jaren heen. Hij begon met figuratieve schilderijen evolueerde naar een non-figuratieve schilder-een vorm van kunst die hij neoplasticisme noemde.

 

De kracht van het Bauhaus

{lang: 'nl'}

Het Bauhaus is voor veel kunstliefhebbers de bakermat van de kunstontwikkeling. De opleidingsschool, die eerst in Weimar, daarna in Dessau en vervolgens nog een jaar in Berlijn gevestigd was, bood plaats aan beeldend kunstenaars, ambachtslieden en architecten, om zich in hun vakgebied te bekwamen.

Hoe ontstond het Bauhaus?

Het Bauhaus is ontstaan uit de Hochschule für Bildende kunst en de Sächsische Kunstgewerbeschule. Deze twee scholen werden samengevoegd en het Staatliches Bauhaus Weimar, kort gezegd Bauhaus, ontstond. De architect Walter Gropius was hier verantwoordelijk voor en eigenaar van.
Er was onderricht te krijgen in de vakgebieden van de plastische kunst, industrie en ambachtelijke techniek.

Waar de opleiding het expressionisme uitdroeg, werd dit onder de bezielende leiding van de Nederlands kunstenaar Theo van Doesburg omgevormd naar het modernisme.
Ontwerpen die hier ontstonden waren vaak erge praktisch van aard.

Welke bekende kunstenaars kennen we uit deze periode?

Er zijn veel bekende kunstenaars die les hebben gehad aan het Bauhaus, of er les hebben gegeven. Zo heeft de Zwitserse schilder Johannes Itten er lesgegeven, evenals Paul Klee en László Moholy-Nagy.
Ook Duitse kinstenaars als Lyionel Feininger en Oskar Schlemmer waren leraren op deze school.
Beroemde studenten van het Bauhaus waren Werner Graeff, Max Bill en Kity van der Mijll Dekker.

Voortleven van het Bauhaus, toen en nu

Hoewel het Bauhaus in 1933 werd opgedoekt, heeft het een grote impact gehad op de kunstwereld. Het levensmotto van Bauhausstudenten en -docenten was dat een betere architectuur en woonomgeving mensen beter tot hun recht laat komen, en uiteindelijk een betere wereld creëeren. Hierdoor was de opleiding voor iedereen beschikbaar, en kregen mannelijke en vrouwelijke studenten gelijke kansen, hoewel dit niet voor iedereen goed verliep.

Terwijl in de Tweede Wereldoorlog weinig ruimte en aandacht was voor de Bauhausstijl, veranderde dit daarna langzaam maar zeker. De decoratieve en versierde Jugendstill maakte plaats voor het functionele en praktische meubilair van het Bauhaus. Ook in de huidige meubelstijlen zie je dit praktische en kwalitatieve design voor de grote massa weer terug.

Afbeeldingsresultaat voor bauhaus

Het tijdperk van Michelangelo

{lang: 'nl'}

De kunstenaar Michelangelo Buonarroti

Voluit; Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni. Deze man is één van de belangrijkste kunstenaars van de Italiaanse renaissance. De meeste mensen kennen hem als kunstschilder maar hij blonk ook uit op het gebied van beeldhouwen. Tevens was hij architect en dichter. Als kind tekende hij graag. Tot ongenoegen van zijn vader vond hij kunst belangrijker dan school. Hij zette door en niet zonder succes! Op zijn zestiende ging hij in de leer bij Domenico Ghirlandaio om vervolgens te gaan leren bij een bekende beeldhouwer. Ook heeft Michelangelo een tijd vertoeft tussen geleerden en dichters. Dat was in de periode 1490-1492.

Vertrek naar Bologna

Michelangelo verbleef tot dan toe in Florence. Toen de stad in de greep kwam van iemand die tegen kunst was vertrok hij naar Bologna. Hij maakte daar “De engel met de kandelaar” en de bekende beelden van Sint Proculus en Sint Petronius. Hij keerde even terug naar Florence om vervolgens naar Rome te gaan. Hier vervaardigde hij de beelden Bacchus en de bekende Pietà. De laatstgenoemde vinden we terug in de Sint-Pieter in Rome. Begin 1500 ging hij weer terug naar Bologna waar de sfeer nu anders was. Het beeldhouwwerk “David” werd in deze periode door hem gemaakt. In 1505 ging hij terug naar Rome om het grafmonument van de toenmalige Paus te creëren. Maar liefst 32 jaar na het overlijden van de Paus was dit pas af! In opdracht van de Paus maakte Michelangelo ook fresco’s voor het plafond van de Sixtijnse Kapel in Rome. Deze prachtige werken zijn tegenwoordig wereldberoemd. Later kreeg Michelangelo ook architectonische opdrachten. In onder andere de Sanlorenzobasiliek in Florance is dit terug te zien.

Voorgoed naar Rome

In 1534 vertrok hij definitief naar Rome. In 1541 werd de laatste hand gelegd aan “Het laatste oordeel”. Het plein en de trap van Piazza del Campidoglio zijn ook ontwerpen van deze grootmeester. Michelangelo is bijna 89 jaar oud geworden.

Maak kennis met de school van Barbizon

{lang: 'nl'}

Afbeeldingsresultaat

Wat is de school van Barbizon

Voordat een groepje schilders rond 1830 de natuur gingen schilderen werd deze alleen gebruikt als achtergrond voor klassieke en historische taferelen. Kunstschilders die in de periode van 1830 tot en met 1870 ook echt alleen maar schilderijen creëerde die de natuur lieten zien haalden hun motieven uit de bosrijke streken rond Barbizon in Frankrijk. Zij maakten hun schilderijen in de open lucht en deze kunstwerken waren een revolutie in de landschapsschilderkunst. De schilderijen van de natuur werden zonder verdere opsmuk geschilderd. Alleen maar puur natuur dus. Dit werd in veel kringen in die tijd niet echt gewaardeerd.

Romantiek in de schilderkunst

Romantiek was in die jaren een stroming binnen de westerse schilderkunst. De nadruk werd gelegd op verbeeldingskracht en subjectieve expressie. De werkelijkheid werd vaak wat geïdealiseerd weergegeven. Als reactie op de romantiekstroming kwam de landsschapsskunst in opkomst. Realistisch schilderen, dus schilderen zoals het ook werkelijk was. Het Franse dorpje Barbizon met zijn omringende bossen van Fontainebleau gaven de schilders genoeg inspiratie om hun schilderijen te maken. Zo richtten de kunstschilders zich tegen de academisme van de Parijse salons.

De schilders van de school van Barbizon

De school van Barbizon werden o.a. beïnvloed door schilders als;

  • Théodore Rousseau
  • John Constable
  • Jacob van Ruisdael
  • Meindert Hobbema

Deze en nog vele andere kunstschilders drukten hun stempel op de school van Barbizon en zorgden ervoor dat het realistische landschapsschilderen werd geaccepteerd en steeds meer waardering kreeg.

Jacob van Ruisdael

De in 1628 te Haarlem geboren Ruisdael was een bekend etser en schilder van landschappen en zeegezichten. Deze landschapsschilder heeft grote invloed gehad op de school van Barbizon. Meindert Hobbema was een leerling van Jacob en ook deze persoon heeft een zeker invloed gehad op de school van Barbizon. Jacob van Ruisdael stond rond het jaar 1650 hoog in aanzien in Amsterdam.

Théodore Rousseau

Een zeer gewaardeerd lid van de school was Théodore Rousseau. De in 1812 te Parijs geboren Théodore kreeg een academische opleiding o.a. bij de landschapsschilder Charles Rémond. Théodore voelde zich sterk aangetrokken door de natuur en vooral de bossen van Fountainbleau was voor hem een gebied dat door zijn mysterie en grootsheid direct door hem geschilderd wilde worden. Eén van zijn bekende schilderijen was “Landschap bij Barbizon” wat hij in 1850 heeft geschilderd. Een ruig, heuvelachtig landschap wat met vrij donkere tinten is opgebracht. In het landschap staat een kromgegroeide boom waar vaag een aantal dieren (koeien?) staan. Het lijkt een beetje op een duinlandschap.

 

De kunststroming het neo-impressionisme

{lang: 'nl'}

Het neo-impressionisme is een kunststroming die is ontstaan omstreeks 1884 in Frankrijk. De grondleggers van deze schilderstijl zijn de Franse schilders Paul Signac en George Seurat. In het artikel wordt verder ingezoomd op kenmerken van het neo-impressionisme en haar ontstaansgeschiedenis.

Ontstaan van het neo-impressionisme

Het neo-impressionisme is ontstaan tijdens de tentoonstelling van de Independants (een nieuwe tentoonstellingsgroep) in 1884, waarbij de schilders Seurat en Signac elkaar ontmoette. Twee jaar later werd in Parijs door impressionisten de laatste tentoonstelling gehouden, waarbij neo-impressionistische kunst werd getoond. Tijdens een tweede tentoonstelling gehouden door de Independants gingen andere kunstenaars zich interesseren in het neo-impressionistische werk en sloten zich aan bij de nieuwe stroming.

Kenmerken van de stroming

Het neo-impressionisme is te herkennen aan het gebruik van stipjes (pointillisme genoemd) of hele kleine streepjes (divisionisme genoemd). Het gebruik van deze technieken moest ervoor zorgen dat de kleuren zich niet mengde op het palet, maar op het doek zelf.

Beroemde kunstenaars

Bekende kunstenaars uit het neo-impressionisme zijn Georges Seurat en Paul Signac. Beide schilders worden gezien als de grondleggers van de stroming. Seurat werkte toegewijd aan het onderzoeken van de kleurentheorie. Het bekendste werk van Seurat is La Grande Jatte. Seurat overleed al op jonge leeftijd (31) aan de gevolgen van acute difterie. Signac was de woordvoerder van de stroming en leerde Seurat hoe om te gaan met prismatische kleuren. Na de dood van Seurat ging Signac door en ging naast het schilderen ook schrijven.

De belangrijkste neo-impressionist uit Nederland is Jan Toorop. Toorop was een van de gangmakers in de tweede periode van de stroming. In zijn werk legde Toorop de nadruk op sterke lichteffecten, Luminisme genoemd. Met zijn werk beïnvloedde hij onder meer Piet Mondriaan. Andere beroemde Nederlandse kunstschilders die behoorde tot het neo-impressionisme waren Henry van de Velde, Jan Sluijters en Ferdinand Nibbrig.

Kunstenaar Annibale Carracci, de unieke kunstschilder en graveur

{lang: 'nl'}

Wie was Annibale Carracci?
Annibale Caracci was een Italiaanse man geboren in Bologna op 3 November 1560 en is overleden op 15 Juli 1609 in Rome. Hij was een Italiaanse kunstschilder en graveur.
In Bologna opende hij een school genaamd: School van Caracci ofwel, de Eclectische School. Dit deed hij niet alleen, maar samen met zijn broer Agostino en zijn neef Ludovico. Al was hij zelf wel de grondlegger van de kunststroming die bekend is geworden als de Bolognese School. Dit maakt hem dan ook erg uniek in zijn eigen style.

De stroming Barok
De kunstwerken van deze kunstenaar behoren tot de stroming: Barok. Alhoewel er wel enige verbinding is met classicistische elementen. De barok is een Europese stijlperiode die in de 17de eeuw in Italië in ontwikkeling kwam, die zich kenmerkt vanuit de vorm van gevoelsuitdrukkingen en de heftigheid daarvan. Ook uitte de Barok zich in allerlei stylen, van muziek tot beeldhouwen en andere kunstvormen. Dan is er ook nog verschil tussen een vroege, hoge en late Barok en de laatbarok wordt ook wel de rococo genoemd.

De werken van deze Italiaanse schilder en graveur
“Domine quo vadis?” komt uit 1601-1602 gemaakt met olieverf op paneel. Deze is te vinden in de National Gallery in Londen. Dan heb je ook nog “De boneneter”. Deze dateert uit de jaren 1580-1590 op doek gemaakt met olieverf. Deze is te vinden in de Galleria Colonna in Rome. In 1585 voltooide Annibale een altaarstuk van de doop van Christus voor de kerk van San Gregorio in Bologna. En in 1587 schilderde hij ook de Hemelvaart voor de kerk van San Rocco in Reggio Emillia. Wat ook een mooi schilderij is van deze kunstenaar is “De jacht” voor 1595. Deze is dan ook wel te vinden in de Louvre in Parijs. “Het vissen” komt uit het zelfde jaartal en is ook in hetzelfde musea te vinden. Een van zijn laatste schilderij is gemaakt op koperplaat en paneel genaamd “Triptiek”. Dit schilderij is te vinden in de Galleria Nazionale D´arte Antica in Rome.

 

annibale-carracci-domine-quo-vadis

Domine quo vadis – Annibale Carracci

Gotische schilderkunst

{lang: 'nl'}

Zoals het ontstaan van vrijwel iedere schilderkunst was die van de gotiek ook geleidelijk. Uit de vroege gotiek is er zeer weinig bewaard gebleven, op een enkele grafschildering na. Dat staat in schril contrast met de overgebleven gotische bouwkunst, maar het is niet anders. In Italië startte de gotiek later – aan het eind van de dertiende eeuw – en de bekende namen daarvan zijn Giotto en Duccio plus de vertegenwoordigers van die stroming uit Sienna. In Duitsland zijn er wel bewaard gebleven schilderingen uit de vroege dertiende eeuw, bijvoorbeeld de plafonddecoratie in de St.-Michaëlskerk in Hildesheim of het Soester altaar dat tegenwoordig in het Staatliche Museen Preussischer Kulturbesitz in Berlijn geconserveerd wordt. In de boekverluchting en in de glasschilderkunst vinden we echter nog wel talrijke gotische overgebleven schilderingen.

Het ontstaan van de gotiek
In Italië bleven fresco’s lange tijd populair, met name in Rome en Toscane. Daarnaast ontwikkelde zich de paneelschilderkunst die zich later over Europa verspreidde. Nadat kunstenaars Simone Martini en Lippo Memmi actief waren geweest in het indertijd pauselijke Avignon won de Italiaanse stijl terrein in heel Frankrijk, Duitsland en de rest van Midden-Europa. De internationale gotiek ontstond uit de wederzijdse beïnvloeding van de indertijd opgeld doende kunststijlen. Panelen en altaarstukken werden in de Nederlanden geliefd door veertiende-eeuwse schilders als André Beauneveu, Melchior Broederlam, Jan Maelwael en Jean de Beaumetz. Zij legden de basis voor de Zuid-Nederlandse schilderkunst van de vijftiende eeuw. Later neemt het realisme het roer over, terwijl in Frankrijk de gotiek nog lange tijd floreert. Italië zit dan al langdurig in de Renaissance, een stroming die in de lage landen nog moet komen door de invloed van P.C. Hooft – vooral literair maar ook algemeen – en door het werk van o.a. Jan van Eyck, Rogier van de Weyden en Robert Campin.

Vooral boekverluchting
De grootste bekendheid kreeg de gotische schilderkunst echter door de boekverluchting. Op perkament schilderde men met veel bladgoud in tempera. De evolutie van de versiering van boeken – zowel die van miniaturen als kapitalen – loopt eigenlijk parallel aan die van de gewone gotische schilderkunst. Helaas is door roof van het gebruikte bladgoud van de boekverluchting ook veel verloren gegaan.

simone_martini_fresco

Fresco van Simone Martini