Claude Monet

{lang: 'nl'}

De tweede helft van de negentiende eeuw was een belangrijke periode in de Franse schilderkunst. Beroemde namen uit die tijd zijn Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas, Paul Cézanne en Édouard Manet. Allemaal impressionistische schilders. Een van de grondleggers van deze stroming was Claude Monet.

Wie was Claude Monet?

Claude Monet werd in 1840 geboren in Parijs. Zijn jeugd bracht hij door in Le Havre (Normandië) en op 21 jarige leeftijd bracht hij zijn diensttijd door in Algerije. Nadat hij eerst karikatuurtekeningen maakte, stapte hij op 24 jarige leeftijd over op het schilderen van landschappen in de buitenlucht.

Claude Monet

Claude Monet

Waarom was hij bekend?

Claude Monet wordt beschouwd als één van de grondleggers van de impressionistische schilderkunst. Deze stroming ontstond als een reactie op de de toen algemeen geldende classicistische kunst. Het impressionisme stond vervolgens aan de wieg van het modernisme van de twintigste eeuw.

Claude Monet’s Stijl

Typische kenmerken van het impressionisme zijn dat de kunstwerken een momentopname zijn en dat de thema’s gekozen worden uit het ‘moderne leven’. Er is in deze stijl een bijzondere aandacht voor lichteffecten en kleur. Monet en zijn tijdsgenoten werkten op een schetsachtige werkwijze en altijd in de open lucht.

De belangrijkste werken van Claude Monet

Tot bekendste werken die Claude Monet vervaardigde, behoort zijn serie over waterlelies. Monet schilderde de waterlelies in zijn tuin in Giverny. Hij legde de vijver vast onder verschillende weersomstandigheden, zodat je telkens een nieuw kleurenspel zag. Deze werkwijze had hij eerder toegepast op hooibergen en de kathedraal van Rouen. De waterlelies schilderde Monet aan het einde van zijn leven, zijn zicht begon toen minder te worden vanwege staar. Hierdoor zijn de waterlelies wat abstracter dan de rest van zijn werk. Claude Monet overleed op 5 december 1926 in Giverny. Het huis en de beroemde tuinen zijn gerestaureerd door de Fondation Claude Monet en worden jaarlijks nog door veel mensen bezocht.

Dit is het kleinste schilderij ter wereld

{lang: 'nl'}

Het kleinste schilderij ooit gemaakt, is van de hand van Jean Thomassen. Hij is een schilder en ook schrijver uit Den Haag en behoort tot de kunststroming van het absurd realisme. Tot in 1974 was hij een onbekende kunstenaar. In dat jaar bezocht de actrice Ine Veen zijn atelier en dat was de start van zijn bekendheid. In de jaren ’80 kreeg hij verschillende prijzen. In 1991 werden er een reeks herdenkingstentoonstellingen gehouden rond de Ballerina Anna Pavlova. De biografie die Jean Thomassen over haar had geschreven, werd wereldberoemd.

Guinness Book of Records

In 1998 kreeg Jean Thomassen een plaats in het Guinness Book of Records. Hij heeft het kleinste schilderij ter wereld geschilderd, en dit zonder enige hulpmiddelen zoals bril of vergrootglas. Het gaat over een olieverf-schilderij dat het rechter oog van Ine Veen afbeeldt. Het schilderijtje meet precies 1,2mm x 1,2mm. Het aparte aan dit schilderijtje is dat het om de tweede poging gaat die Jean Thomassen moest ondernemen. Toen zijn eerste werkje af was, viel het op de grond omdat hij te hard had geademd! Hij heeft het, ondanks langdurig geknield zoeken, niet meer teruggevonden. Het is zo klein, dat het bijna onmogelijk gefotografeerd kan worden. Als je de foto van het kunstwerkje vergroot, wordt het schilderijtje troebel (en dus onduidelijk). Om even te vergelijken: het schilderijtje past 11.016.041 keer in de Nachtwacht van Rembrandt. Of als je een fruitvliegje doormidden snijdt, heb je de precieze lengte van het schilderijtje.

Jean Thomassen als ridder

Deze kunstenaar kreeg in 2010 de titel van Ridder in de Orde van Nassau. Zijn bijdragen tot de Nederlandse schilderkunst zijn bijzonder. Zijn werken worden in 3 categorieën verdeeld:
– Portretten die in opdracht gemaakt zijn.
– Aparte voorstellingen over het oude Egypte. Deze zijn geschilderd met oude verfstoffen zoals smalt, zinnober en mummie.
– Zeer bijzondere voorstellingen, zowel vrije werken als opdrachten. Daartoe behoren onder andere ‘Metamorfose’, ‘Maybe Baby’ en ‘Parijs met 18 Napoleons’.
Sommigen vragen zich af of hij een genie is of gewoon gek. Maar deze vraag stelt men zich bij heel wat kunstenaars, niet?

 

Afbeeldingsresultaat voor jean thomassen

5x De rijkste kunstenaars ter wereld

{lang: 'nl'}

Vroeger waren veel kunstenaars straatarm. Neem Vincent van Gogh bijvoorbeeld, er was vrijwel niemand die zijn werken wilde kopen. Hij heeft slechts een schilderij in zijn leven verkocht. Tegenwoordig is dat wel anders. De elite van de huidige kunstenaars verdient grof geld met het werk dat ze maken. Hieronder de vijf (respectievelijk) rijkste kunstenaars ter wereld.

5. Andrew Vicari -> 500 miljoen dollar

Alhoewel zijn naam klinkt al een typische Italiaan is deze man Welsh. Vicari is nog een echte klassieke kunstenaar te noemn. Je zou hem kunnen zijn als een hofschilder voor rijke en beroemde mensen. Sommige mensen zeggen dat hij niet het recht heeft om in deze lijst te staan, omdat het nu zware tijden voor hem zijn.

4. David Choe -> 200 miljoen dollar

Hij is een echte rebel te noemen en heeft een nogal mysterieus imago. Er was een tijd dat het meeste wat hij deed graffiti spuiten was, maar vandaag de dag is hij ook veel bezig met strips. Als mensen aan graffiti denken, denken ze aan Banksy. Toch staat Banksy niet in de lijst en schijnt hij ook maar eentiende van Choe waard te zijn.

3. Jasper Johns -> 300 miljoen dollar

Dit is de man die ooit op het idee is gekomen om de Amerikaanse vlag te schilderen. Het schilderij werd voor zo’n tachtig miljoen dollar verkocht. Dat is het hoogste bedrag ooit voor een werk van een kunstenaar die nog leeft.

2. Jeff Koons -> 500 miljoen dollar

Hij maakt eigenlijk geen kunst, meer anti-kunst. Ze drijven eigenlijk de spot met mensen en hun slechte smaak. Hij is niet de eerste die met dit idee gekomen is, in 1961 had Piero Manzoni al de ingeblikte poep.

1. Damien Hirst -> 1 miljard dollar

Deze kunstenaar is echt wereldberoemd, hij was een tijdje best wel morbide en het is vrij duidelijk dat hij is gefascineerd door de dood. Zijn schedel die met diamanten is ingelegd werd overal ter wereld op het nieuws uitgezonden. Hij geeft als geen ander aan dat de kunst vandaag de dag niet bepaald mooi hoeft te zijn, maar juist een bepaald idee uit moet drukken.

Afbeeldingsresultaat voor damien hirst

Mona Lisa, geschilderd met een glimlach

{lang: 'nl'}

Glimlachende vrouw

Één van de meest bekende uitvinders ooit heeft lang geleden een net zo bekend werk geschilderd.
Het is de Mona Lisa die rond 1500 door Leonardo da Vinci werd vereeuwigd op het schilderslinnen.
Mona Lisa, ook wel La Gioconda genoemd, kun je heden ten dage bewonderen in het Louvre te Parijs. Je ziet dat op het schilderij een vrouw staat afgebeeld; naar alle waarschijnlijkheid Lisa Gherardini.
Zijn was de vrouw van degene die opdracht gaf tot het schilderen van het werk, Francesco del Giocondo.
De Mona Lisa wordt afgebeeld als een jonge vrouw met een serene en natuurlijke uitstraling. Wat mij het meest opvalt is haar prachtige glimlach, een glimlach die een gevoel van tevredenheid en geluk overbrengt op degene die haar aanschouwt. Het schilderij haar handelsmerk was geboren en dat maakt haar zo bekend onder het grote publiek.
De Mona Lisa is een culturele uiting van de Renaissance, naar verluidt de wederopbloei van de cultuur van de klassieke oudheid.

Een uniek meesterwerk

Ik denk dat de Mona Lisa een uniek schilderij is. Vele toeristen komen speciaal naar het Louvre om een glimp op te vangen van het meesterwerk. Het is niet zomaar het meest bekende en beroemdste schilderij. Er is geen ander werk wat zo vaak bezongen, beschreven en ook geparodieerd is.
Het schilderij is ook uniek vanwege de schildertechniek die door Da Vinci is gebruikt. Bij de Mona Lisa is de zogeheten sfumanotechniek toegepast.
De omtrekken van het beeld worden niet scherp afgetekend maar juist waziger gemaakt. Er is bijvoorbeeld geen penseelstreek te zien. Dit kun je zien rond de ogen en de mondhoeken. Bekijk maar eens een close-up, het valt je direct op.

Populair bij de Franse adel

Men neemt aan dat de Mona Lisa tot aan Da Vinci’s dood in zijn bezit is gebleven. Zijn leerling, Salaino, zou het schilderij hebben verkocht aan de Franse koning.
Anderen mensen dat Da Vinci zelf het schilderij heeft verkocht aan Frans I voor 4000 ecu’s.
Via enkele omzwervingen binnen de Franse adel kwam de Mona Lisa bij Napoleon terecht.
Pas in 1906 vond het schilderij in het Louvre haar huidige, publieke onderkomen. Alleen tijdens de Tweede Wereldoorlog heeft het meesterwerk elders een paar veilige schuilplaatsen gehad om na de oorlog weer terug te keren.

Afbeeldingsresultaat voor mona lisa

 

Piet Mondriaan

{lang: 'nl'}

Pieter Cornelis Mondriaan, geboren te Amersfoort op 7 maart 1872, beroemd en bekend als Piet Mondriaan, was een Nederlandse schilder die revolutionaire artistieke werken maakte in Nederland, Frankrijk, Engeland en de Verenigde Staten. Hij staat bekend als een pionier in de ontwikkeling van de moderne abstracte kunst. Hij was medeoprichter van de Nederlandse beweging voor abstracte kunst, “De Stijl”. In zijn schilderijen speelde hij met de eenvoudigste samensmelting van rechte lijnen, rechte hoeken, primaire kleuren zoals zwart, wit en grijs. Veel werken dat Mondriaan gingen verloren toen hij moest verhuizen naar de Verenigde Staten als gevolg van de dreiging van het groeiende fascisme in Europa.

Zijn kindertijd en eerste stappen in de kunstwereld.

Zijn vader was directeur bij een plaatselijke school en ook een gekwalificeerde tekenleraar die verantwoordelijk was voor het initiëren van zijn zoon in de wereld van de kunst. Piet Mondriaan studeerde aan de Academie voor Beeldende Kunst, in Amsterdam en werd leraar in het basisonderwijs. Ondertussen begon hij ook al te schilderen.

Hoe verliep zijn carrière

Mondriaan was nauw betrokken bij de theosofische beweging in die in 1908 door Helena Petrovna Blavatsky gelanceerd werd. In het volgende jaar trad hij toe tot de Nederlandse tak van deze beweging. Dit alles had een grote invloed op zijn schilderwerk.Een tentoonstelling met kubistische schilderijen in 1911 had een grote impact op zijn verdere werk.Zijn zoektocht naar artistieke vereenvoudiging is duidelijk weer te vinden in de twee versie van zijn beroemde schilderij “Stilleven met gemberpot.
In 1911 vestigde hij zich in Parijs en liet zijn werk beïnvloeden door schilders als Picasso en Georges Braque. Mondriaan gebruikt zijn kunst en schilderijen als zijn ultieme spirituele uitlaatklep en vanaf 1913 begon hij steeds meer zijn artistieke bezigheden samen te voegen met zijn theosofische studies samen tot een nieuwe theorie.

Afbeeldingsresultaat voor piet mondriaan

In 1914 bezocht hij Nederland. Maar door de toenemende spanning als gevolg van de h
anden zijnde Eerste Wereldoorlog werd hij gedwongen om in Nederland te blijven. In deze periode begon hij, samen met Van Doesburg, met de publicatie van het tijdschrift “De Stijl“. Na de oorlog keerde hij terug naar Frankrijk, en het was hier dat hij zijn geliefde abstracte kunst verder ging ontwikkelen. Rond 1920 is zijn stijl verder getransformeerd naar een rijpere vorm met dikke zwarte lijnen, grotere en minder talrijke afgebakende vormen. Mondriaan begint meer gebruik te maken van de ruitvorm tin zijn schilderijen. Het schilderij: “Ruit met twee lijnen … (1926)” is momenteel te zien in het Philadelphia Museum of Art en is de meest minimalistische van zijn aquarellen. Vanwege het groeiende fascisme in Parijs vertrok Mondriaan in 19838 naar Londen en daarna naar Manhattan. Daar produceerde hij verder werken die gebaseerd waren op de ruitvorm zoals: ”Ruit Samenstelling met vier gele lijnen (1933)”, een eenvoudige schilderij waarin Mondriaan experimenteerde met dikke, gekleurde lijnen in plaats van zwarte. Het vervangen van de zwarte lijnen door de gekleurde was de laatste evolutie in zijn werk. Mondriaan evolueerde in zijn kunstenaarschap door de jaren heen. Hij begon met figuratieve schilderijen evolueerde naar een non-figuratieve schilder-een vorm van kunst die hij neoplasticisme noemde.

 

Het tijdperk van Michelangelo

{lang: 'nl'}

De kunstenaar Michelangelo Buonarroti

Voluit; Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni. Deze man is één van de belangrijkste kunstenaars van de Italiaanse renaissance. De meeste mensen kennen hem als kunstschilder maar hij blonk ook uit op het gebied van beeldhouwen. Tevens was hij architect en dichter. Als kind tekende hij graag. Tot ongenoegen van zijn vader vond hij kunst belangrijker dan school. Hij zette door en niet zonder succes! Op zijn zestiende ging hij in de leer bij Domenico Ghirlandaio om vervolgens te gaan leren bij een bekende beeldhouwer. Ook heeft Michelangelo een tijd vertoeft tussen geleerden en dichters. Dat was in de periode 1490-1492.

Vertrek naar Bologna

Michelangelo verbleef tot dan toe in Florence. Toen de stad in de greep kwam van iemand die tegen kunst was vertrok hij naar Bologna. Hij maakte daar “De engel met de kandelaar” en de bekende beelden van Sint Proculus en Sint Petronius. Hij keerde even terug naar Florence om vervolgens naar Rome te gaan. Hier vervaardigde hij de beelden Bacchus en de bekende Pietà. De laatstgenoemde vinden we terug in de Sint-Pieter in Rome. Begin 1500 ging hij weer terug naar Bologna waar de sfeer nu anders was. Het beeldhouwwerk “David” werd in deze periode door hem gemaakt. In 1505 ging hij terug naar Rome om het grafmonument van de toenmalige Paus te creëren. Maar liefst 32 jaar na het overlijden van de Paus was dit pas af! In opdracht van de Paus maakte Michelangelo ook fresco’s voor het plafond van de Sixtijnse Kapel in Rome. Deze prachtige werken zijn tegenwoordig wereldberoemd. Later kreeg Michelangelo ook architectonische opdrachten. In onder andere de Sanlorenzobasiliek in Florance is dit terug te zien.

Voorgoed naar Rome

In 1534 vertrok hij definitief naar Rome. In 1541 werd de laatste hand gelegd aan “Het laatste oordeel”. Het plein en de trap van Piazza del Campidoglio zijn ook ontwerpen van deze grootmeester. Michelangelo is bijna 89 jaar oud geworden.

Kunstenaar Annibale Carracci, de unieke kunstschilder en graveur

{lang: 'nl'}

Wie was Annibale Carracci?
Annibale Caracci was een Italiaanse man geboren in Bologna op 3 November 1560 en is overleden op 15 Juli 1609 in Rome. Hij was een Italiaanse kunstschilder en graveur.
In Bologna opende hij een school genaamd: School van Caracci ofwel, de Eclectische School. Dit deed hij niet alleen, maar samen met zijn broer Agostino en zijn neef Ludovico. Al was hij zelf wel de grondlegger van de kunststroming die bekend is geworden als de Bolognese School. Dit maakt hem dan ook erg uniek in zijn eigen style.

De stroming Barok
De kunstwerken van deze kunstenaar behoren tot de stroming: Barok. Alhoewel er wel enige verbinding is met classicistische elementen. De barok is een Europese stijlperiode die in de 17de eeuw in Italië in ontwikkeling kwam, die zich kenmerkt vanuit de vorm van gevoelsuitdrukkingen en de heftigheid daarvan. Ook uitte de Barok zich in allerlei stylen, van muziek tot beeldhouwen en andere kunstvormen. Dan is er ook nog verschil tussen een vroege, hoge en late Barok en de laatbarok wordt ook wel de rococo genoemd.

De werken van deze Italiaanse schilder en graveur
“Domine quo vadis?” komt uit 1601-1602 gemaakt met olieverf op paneel. Deze is te vinden in de National Gallery in Londen. Dan heb je ook nog “De boneneter”. Deze dateert uit de jaren 1580-1590 op doek gemaakt met olieverf. Deze is te vinden in de Galleria Colonna in Rome. In 1585 voltooide Annibale een altaarstuk van de doop van Christus voor de kerk van San Gregorio in Bologna. En in 1587 schilderde hij ook de Hemelvaart voor de kerk van San Rocco in Reggio Emillia. Wat ook een mooi schilderij is van deze kunstenaar is “De jacht” voor 1595. Deze is dan ook wel te vinden in de Louvre in Parijs. “Het vissen” komt uit het zelfde jaartal en is ook in hetzelfde musea te vinden. Een van zijn laatste schilderij is gemaakt op koperplaat en paneel genaamd “Triptiek”. Dit schilderij is te vinden in de Galleria Nazionale D´arte Antica in Rome.

 

annibale-carracci-domine-quo-vadis

Domine quo vadis – Annibale Carracci

Van conducteur tot beeldhouwer – Carl Andre

{lang: 'nl'}
carl-andre

Carl Andre

Ken jij de minimalistische beeldhouwer Carl Andre?
De Amerikaanse kunstenaar Carl Andre, geboren op 16/09/1935, ging na zijn opleiding niet onmiddellijk van start als kunstenaar. Zo heeft hij eerst gewerkt bij een tijdschrift, als officier in het leger en als treinconducteur. Het zien van de wereld heeft volgens mij dan ook een bijdrage geleverd aan zijn inspiratie voor het ontwikkelen van zijn sculpturen. Het werken met eenvoudig en gemakkelijk verkrijgbaar materiaal maakt zijn sculpturen extra uniek. Het werk van Carl Andre valt dan ook onder minimalistisch beeldhouwwerk.

Geometrische eenheden van industrieel bouwmateriaal
De werken van Carl Andre bestaan steeds uit industriële materialen zoals baksteen, hout, metaal en plastic, geplaatst in een een simplistisch rechtlijnig, vierkant of rechthoekig patroon. Door het vermijden van versieringen of extra toevoegingen blijven de sculpturen hun unieke en strakke uitstraling te behouden.

Van verticale tot horizontale sculpturen
In de begin jaren van zijn carrière als kunstenaar, ging Carl Andre van start met verticale sculpturen, zijn kunstwerken waren vergelijkbaar met straten en trottoirs. Met het juist plaatsten van bepaalde vormen en materiaal maakte hij hiermee prachtige werken. Carl Andre vond deze werkwijze echter niet bevredigend genoeg en ging van start met het creëren van horizontale werken. Zo is een van zijn bekendste werken gemaakt van grote metalen platen die in een gelijkzijdige vierkant op de grond zijn gelegd.

Voor het oog van de echte kunstliefhebbers
Carl Andre had niet de intentie om kunstwerken te maken om ten toon te stellen in musea. Zijn werken werken ontworpen om niet enkel van op afstand te bekijken maar om over, langs en om de werken te kunnen wandelen. Het wandel over kunstwerken wordt echter niet in alle musea gewaardeerd.

Ben jij benieuwd naar zijn werk? Het werk van Carl Andre kan je op verschillende locaties in Nederland bekijken, zoals het gemeentemuseum Den Haag, Kröller – Müller in Otterlo en het Van Abbemuseum in Eindhoven.

De kunstenaar Giovanni Lorenzo Bernini

{lang: 'nl'}

Er zijn veel kunstenaars die veel hebben betekent voor de ontplooiing van een kunstvorm. Deze personen hebben een onmiskenbare indruk achtergelaten in de geschiedenis van de kunst en cultuur. Één van die kunstenaars van formaat was Giovanni Lorenzo Bernini, die vaak ook Gianlorenzo Bernini werd genoemd. Deze Italiaanse architect, beeldhouwer, tekenaar en schilder heeft een grote bijdrage geleverd aan de Barok. Hij had een grote invloed op de kunstvorm die ver over de landsgrenzen ging.

Bepalende kunst
Bernini werd in december van het jaar 1598 geboren in Napels. Zijn vader was de beeldhouwer Pietro Bernini. Tussen 1625 en 1633 werkte Bernini veel samen met andere kunstenaars. Zo werkte hij met Carlo Maderno samen aan het Palazzo Barberini te Rome. Het Piazza San Pietro in de hoofdstad werd enige jaren later verwezenlijkt. Dit plein werd in opdracht van de toenmalige paus vormgegeven en maakt nu nog altijd deel uit van de Sint Pieterskerk. Giovanni Lorenzo Bernini omschreef de symmetrische zuilen zelf als de moederlijke armen van de kerk. Deze zuilen herbergen 140 beelden van heiligen. Samen vormen ze een ovaal met een binnendiameter van rond de 200 meter. Maar Bernini was ook bepalend voor het straatbeeld in Rome. Barokke fonteinen op de kenmerkende pleinen zijn van zijn hand, samen met zijn concurrent Francesco Borromini.

Kenmerkende beelden
Bernini was tevens beeldhouwer. Tijdens zijn leven heeft hij veel beelden gemaakt. De meeste zijn van marmer. Uiteraard had zijn vader grote invloed op zijn werk. Het vroege ‘Aeneas en Anchises’ is een voorbeeld hiervan. Latere beelden zijn erg levendig en bovendien zeer realistisch. Bekende voorbeelden zijn ‘Pluto en Proserpina’ en ‘Apollo en Daphne’. Bernini is tevens de maker van het beeld ‘David’, dat vervaardigd werd in 1624. Dit was in opdracht voor Kardinaal Borghese.

Invloed op de toekomst
Zoals vele kunstenaars was ook Bernini een persoon dat van reizen hield. Dit hield in dat hij zich vaak liet inspireren door andere omgevingen. Dit zorgde voor meer diepgang en menselijkheid in zijn werk. In 1665 maakte hij een reis naar Frankrijk. Hij maakte hier de buste van Lodewijk XIV van Versailles. Deze buste zou nog jarenlang als voorbeeld dienen voor Franse kunstenaars. Zijn wapperende draperie en dramatische effecten zijn typerend voor de Italiaanse kunstenaar. Bernini maakte zijn gehele leven kunst, totdat hij in 1680 overleed. Hij ligt begraven in de basiliek van de Santa Maria Maggiore.

bernini

Aeneas en Anchises – Bernini

De schone dramatiek van Barok

{lang: 'nl'}

De wereld zou een armoedige plek zijn als we het zonder fenomenale kunstenaars als Rubens, Vermeer, Caravaggio, Velázquez, Rembrandt en Frans Hals moesten stellen. Deze kunstschilders zijn letterlijk grensoverschrijdend geweest voor de heersende kunstbegrippen. Gebruik van weelderigheid, krullen, pracht en praal, vergroting van afmetingen en de kracht van de uitdrukking: dit is Barok.

Paradijselijk
Van oorsprong heeft Barok een religieuze inslag gekend. De reformatie won in Nederland terrein. Door middel van de Barokstijl probeerde de Katholieke kerk de mensen te overrompelen en hun te winnen voor de kerkelijke gemeenschap. De religie interpreteerde de stijl als een imitatie van het hemels paradijs op aarde. De gelovigen dienden meegesleept te worden door het machtsvertoon. Hoewel Barok sterker in Vlaanderen aanwezig was, bestonden er vele scholen in Nederland.

Grilligheid
Barok komt van ‘Barocco’, een misvormde parel in het Italiaans. Een spottende benaming dus, voor het grillige karakter van de kunst. Het was een periode die duurde van 1600 tot omstreeks 1750. Barok was een gevolg van de Renaissance en kende in elk land een andere uiting. Barok is een totale stijl; beeldhouwkunst, architectuur en schilderkunst kwamen in een kunstwerk samen. Ook is er in de Barokstijl veel aandacht voor details en decoraties. Het vervagen van kleur en het bewerken van licht gaven meer diepte, wat zorgde voor meer uitdrukkingskracht. De periode van Renaissance ging vooral om het intellect, maar bij Barok ging het om emoties. Elk kunstwerk diende een emotioneel effect te bewerkstelligen.

De schilderkunst Barok in Nederland
Nederland bloeide op als nooit tevoren. Het was de Gouden Eeuw, waar veel rijkdom werd behaald en waar Nederland heerste over de wereldzeeën. De Nederlandse maatschappij werd aangedreven door de bovenlaag, die bestond uit bankiers, kooplieden, fabrikanten en scheepsmagnaten. De goede welvaart betekende ook een ontwikkeling van schilderkunst. In ieder huis of werkplaats was wel een schilderij te vinden. Het gebruik van sterke contrasten in lichtbehandeling en kleur, zorgde dat schilders als Jan Steen en Frans Hals ongekend populair werden. Vlaanderen hanteerde een andere stijl binnen de Barok. Het effect van licht en schaduw werd hier nog verder uitgewerkt. De verfijnde meester Pieter Paul Rubens heerste bij ons buurland en overschaduwde de collega Barok-schilders met zijn talent.

Rembrandt
Rembrandt van Rijn’s thema’s waren vooral het verheerlijken van de Nederlandse cultuur, genaamd Hollands Glorie. Een fraai voorbeeld is uiteraard de befaamde ‘Nachtwacht’. De Hollandse school hield zich aan drie elementen van Barok schilderkunst: dynamiek, contrast en onvoorspelbaarheid. Doordat Nederland meer protestants begon te worden, was er geen vraag meer naar altaarstukken. Daarom ontstonden er in de Barok veel volkstaferelen, landschappen en ook zeegezichten.
Evenals bij veel andere Barok-schilders heerst bij Rembrandt de dramatiek. Hij schildert realistisch, met een oog voor de zichtbare schoonheid van de wereld.

Nachtwacht - Rembrandt van Rijn

Nachtwacht – Rembrandt van Rijn